被篡改的传统审美从牡丹亭重逢戏曲服装设计说起一

——张军、单文对《牡丹亭重逢》的思考

 

张军、单文的《牡丹亭重逢》昨天在上海正式上演。 回想开票前夕,我还在纠结要不要去看,是否应该为传统艺术贡献一些自己的力量,尤其是昆曲,我很喜欢,山文也是我的最爱。 想了再三,我发现这几年的新剧都让人失望,于是我停下来,决定用自己的钱去投票。

我不喜欢各种新剧目,无论是新形式还是新剧本,所以我会把钱投入到定期上演的传统剧目上。

因此,以下说法均基于现场表演后的新闻报道,或粉丝发布的照片​​。

现场没去,但看服装设计,觉得不去真是明智之举。

无论是舞台美术还是影视剧美术,布景、服装、造型都是为了讲述故事、塑造人物而服务的。 而如果把范围缩小到我们的传统戏曲艺术,还必须强调一件事——它必须是美的。 这是梅兰芳大师说的,不是我说的。 如果你想讨论的话,就去找梅大师吧。

即使是单纯的美,也必须满足故事讲述和人物塑造的需要,不能抢占风头。

其次,戏曲化妆有一定的内部规范。 这些规范大多以特定的风格组合来表达,但实际上远不止于此。 关于戏曲的构成,这将是一个很大的章节需要展开。 我只是一个粉丝。 不喜欢我就会投诉,所以我就不说那么多了。 我们直接进入主题吧。

戏曲舞台上,正旦、归门旦最常见的造型是:大发+传统衣箱服。 主要组成部分是褶子+腰带+腰包。 褶和胯的主要区别是看领口。 立领有对驳领的是褶,直领有对驳领的是胯。 根据情况,可以添加不同的配件。

当然,随着时间的推移,也出现了另外两种形式:梳古装发+传统衣箱服; 梳古装发+仕女图服/改良官服/蟒蛇/卧等,但第一种还是最常见的。 一般来说,闺阁角色的女性所穿的衣服多以碎花为材质,而青衣或角色较为稳定的女性所穿的衣服则多以花卉为材质。

所以,当我看到《牡丹亭》的服装设计师是《浮生六章》的设计师时,我的心就落了下去。 看到宣传照后,我心里稍稍松了口气。 至少我的大头发和穿的裤衩式的衣服不能太离谱。 直到今天看到秀后的照片,我才意识到一个不尊重和欣赏传统文化的设计师会毁掉多少东西。

迪奥已经被偷到家门口了,我们的设计师还在做着崇拜外国的梦。

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从左到右编号为1-6

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江苏昆剧院

这是《牡丹亭重逢》中旦角的妆容和服装合集。 我们至少可以从上面的服装系列中看出一些事情。

接下来,我们就从第一组开始,逐一来看。

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推测是《魂游》的折扣

这件衣服最不应该做的就是戴上兜帽,这是完全错误的。 头罩通常在生病、御寒和旅行时使用。 比如《游园记》中的杜丽娘,早上就戴上兜帽御寒。 《离开灵魂》中,她身患重病,还戴着兜帽。 这里杜丽娘已经是鬼了,应该戴的是水纱而不是头巾。

言归正传,这是一张非常漂亮的照片,而且衣服本身选择的是白底墨色,非常符合大众心目中的中国风。 因此,服装设计中很容易忽视问题。

在我们的传统审美中,有没有以衣服为画布来设计元素的例子呢? 是的,但不多,而且和日本的方法有很大不同。 而且越接近早期的日式风格,与后期的差别就越大。

最大的不同在于,在我们传统的审美中,我们不是简单地堆砌元素,而是将其作为一个完整的作品来管理和安排。 我们必须注意构图和留白,以及植物的生长特征。 就像这里一样,垂柳虽然叫垂柳,但它的树干并不是倒着生长的。 应该是合理的,从背部下部向上生长的构图可能更合适。

但这里在演员的左肩上绣了一根手臂粗的树干,并牺牲了领子,以保证垂柳画的完整性。 而且胸前漂浮着一丛柳枝,还有巨大的飞鸟。 当我第一次看到这件衣服的时候,我的眼睛很困惑。 不知道是看衣服还是看演员的脸。

即使是这种强调服装整体图形性的设计,也会分散观众的注意力,让他们把注意力集中在服装上,而不是演员的表演上。 衣服不仅不会为演员的表演增添色彩,反而会阻碍他寻找存在感。

衣服上绣着柳枝,说明杜丽娘心里想着柳梦梅,把柳梦梅穿在了身上? 观众不是白痴。 有了这么肤浅的形象,还需要做什么额外的事情吗? 但在这里我想太多了。 看着设计师的采访,设计师很自豪,杜丽娘和柳梦梅的衣服契合成一个圆圈,寓意完美。

演员在舞台上不断地移动,为了某一时刻可能达到的“完美”,最终选择将服装放在演员之上,实在是本末倒置。

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悬挂的柳枝将视线引向脚下

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最右边是微博“人哥的地盘”拍摄的;

肩部粗壮的树干导致视觉焦点转移,整体性格被分割。 不但难看、鬼魅,杜丽娘这里更应该强调的是怨恨、苍凉的美,而不是阴森森的鬼魅。

然后还有腰包。 一般来说,腰包的图案结构是底部有一圈图案,顶部是一个垂直的长方形框架,框架上有相同的图案,里面绣有折纸花。 马脸外侧两侧的空白部分有的留白,有的用洒料装饰,如下图所示。

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我们来看看本版《牡丹亭》中的腰包设计:

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与上面的设计相比,这里的设计不是很好理解。

左边的有底部,但顶部没有方形框架。 这是偷工减料吗? 我还是觉得这种不起眼的设计很好看。 或者干脆不做底部的圆圈,只做小撒,搭配马身上的大花应该就可以了,但难点大概是还需要把小花一个接一个地排列起来,而小花呢?花也需要设计,估计设计师也懒得管这个。 但我也想表明它是我设计的,所以就出现了这个不起眼的东西。

本来想说说腰包上的菊花,但不确定是菊花、牡丹还是莲花。 哦,是昙花,那么它只是昙花一现吗? 算了,第二片绿是昙花主题,以后再说。 至于第二个腰包,我怀疑它可能还没有完成。 让我们等到这一套准备好后,再进行第三套。

我们来看看第二组。 圣丹套装是情侣套装,一起来看看吧。

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如果这套服装没有蝴蝶的话,可能就是及格了。 我真的很佩服设计师总是能想方设法从演员那里抢走风头。 蝴蝶的黑色和棕色色调确实令人费解。 就算蝴蝶与小生衣下两只蝴蝶的色调统一,也不至于那么抢风头。

色调上,绿白配色虽然沉闷,但绝对不会出错。 但这只黑棕色的蝴蝶各方面都不合适,也不知道设计师是从哪里得到这个想法的。 而且蝴蝶一般都有停留、一起飞翔的意思,通常都是成对出现的。 不知道这只全身随意散落的大蝴蝶有什么意义。

另外,这里重点关注元素的二次加工以及设计元素的非结构化排列。

我花了很长时间才分辨出来,这上面的刺绣应该是昙花。 也许设计师想表达的是昙花一现是短暂的,幸福的时光总是短暂的。 我对此不发表个人评论。 但昙花元素的运用实在是马虎。 请参阅开篇章节了解荷叶边或褶皱上的传统刺绣元素。 这里所用的昙花可指牡丹。 因为是花束,所以一般都是折枝花。 我们先来看看传统丝巾上的牡丹是什么样子的。

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从上图我们可以知道,所谓的折枝,就是指花朵具有枝叶的形状。 花朵通过枝叶组织起来,形成自己独特的姿态。 这个姿势本身也是经过艺术加工两次创造出来的。 衣服下摆的花朵点缀着大大小小的枝叶,聚散开来,本身就非常美丽。 搭配两只飞舞的蝴蝶,完美地表达了杜丽娘此刻的心情——她对成双成对的美好生活的向往和想象。

蝴蝶的颜色与花朵的颜色相对应,春天的意境十足。 年轻人对春天的兴奋和不安,都用言语表达出来。

而且,这里的牡丹的大小与现实中的不太一样。 与真正的牡丹相比,它实际上要小得多。 但通过比较,观众很容易明白这是牡丹,而不是其他花。

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对比二次设计中提取的两件衣服上的元素,我们可以清楚地发现,《牡丹亭》上的昙花元素几乎是几张昙花照片的组合。 首先,没有从花本身的姿态和形状中提取出来,其次,没有根据生长姿态进行提炼和组织。 完全背离了传统审美。

除了元素的重新设计之外,还有整体的构图,即元素的排列。 我们先来看一张对比图。

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对比效果应该还是很明显的。 如果将衣服比作画布,传统的元素分配方式会在腰部和肘部上方留下大面积的留白。 这种留白让整件作品透气又留有回味的空间。

元素主要分布在衣服主体上,防止画面头重脚轻。 同时,对称的设计和衣领的强调引导视线集中在演员的脸上。 相比之下,新服装排列得比较混乱,没有主次之分。 几乎可以看作是一种分散的排列。 这种凌乱的排列,还有上面那只极其醒目的黑色蝴蝶,不仅不美观,而且极大地分散了观众的注意力。

第三套是现在非常流行、普遍的做法“画”穿在身上。 如果说枝状花朵本身具有装饰性,人们往往会忽略了它们与衣服的结合也必须符合绘画的原理。 这种将一幅或多幅绘画应用到衣服上的形式多年来一直流行,可能是因为它在形式上更容易与传统的花卉装饰区分开来,是一种“创新”。

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老实说,这套服装可能是这一期《牡丹亭》中最成功的服装了。 配色淡雅,整体布局基本遵循传统的下摆和袖子下端的排列方式。 除了领子整体被忽视之外,整体留白还是足够的,没有像大树桩或者黑蝴蝶之类与演员抗衡的设计。

然而,这清楚地反映了程序美的重要性,这是传统戏剧舞台上非常重要的美学。

我们都知道戏曲演员有唱、说、做、打的套路,但舞台上的套路远不止这些。

从职业分类来看,职业对应的服装、舞台布置、道具设置等都统一在节目下。 三五步走遍天下,七八个人百万士兵,就是这种风格化精神的最好体现。

说说背面常见的双排扣褶/荷包,因为是双排扣结构,本来就是对称的,所以设计成对称的,就形成了一种非常容易识别的格式。

从认知角度来看,大脑本身倾向于以清晰的格式识别信息。 例如,当我们看到形成 3/4 圆的物体时,我们的大脑会自动将其识别为圆。 比如说,我们都喜欢看阅兵。 阅兵式整齐划一的动作也是一种非常容易识别的形式。 当大脑接收到的信息有统一的格式时,就会产生愉悦的感觉。

在歌剧舞台上,这种重韵轻形的风格化从布景到外观统一起来,形成了清晰的信息结构——秩序之美。

这种赏心悦目的有序之美,不需要额外的努力去操作大脑。 我们可以将其归类为“静态美”。 这也让大脑有更多的精力去关注舞台上的动态内容——演员的表演。 不同演员对同一节目的处理,在这种动与静的对比中牢牢抓住了观众的注意力。 这是多么简洁、先进的舞台艺术啊!

无论是舞台设计还是服装,都服从于这种审美哲学,不能被别人接管。

至于上图所示的不对称设计,则为左低右高的设计。 构图本身就是为了吸引观众的注意力而设计的。 这种一眼无法辨别的形式对于观众欣赏表演来说是一种干扰。

舞台上,一切都是为了演员的存在服务的。 服装是为了体现人物的状态——生活状态、心理状态、个人气质等,而不是为了凸显服装本身的存在。 所有这些美丽而令人眼花缭乱的设计都应该在规格范围内有新的变化。 观众熟悉了该剧后,才能慢慢体会到服装与人物的关系,设计得有多么精致。

但如今,有多少“设计师”愿意做这些吃力不讨好的事情呢?

我们来谈谈服装设计。 由于服装的主体最大,因此构图的主体也位于下摆下方。 袖子上通常会设计一些小元素来呼应主体。 如果我们看上图,我们会发现袖子上的植物整体尺寸和裙子的尺寸差不多,甚至更大。 当演员把袖子举到靠近头和脸的位置时,袖子上杂乱的枝叶尤其让观者感到不安,如下图所示。

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我们来谈谈衣服下摆上的拼贴本身。 如果从整幅画来看,也是不合格的。 两簇菖蒲大小相近,在观赏上无法形成递进关系。 大面积的水平水波与菖蒲的纵向线条形成切口,让人很难分清主体是鸢尾花还是水波。

事实上,按照传统审美,左右裙摆对称设计,去掉横向水波纹,简单地在菖蒲根部周围制作两三个半圆形波纹。 水鸟的体型控制得更小,这本身就可以是一个美丽的设计。 但设计师可能不希望自己的才华被埋没在传统规则中。